Ecco cinque film mediante i quali è possibile imparare qualcosa sul cosiddetto linguaggio cinematografico.
Ci sono così tanti film che vale la pena vedere, se si vuole imparare qualcosa sul linguaggio cinematografico. La musica, la pittura, la danza e il disegno fungono da perfetta combinazione che alimenta la settima arte. I seguenti 5 film personificano l'immenso potere e la tecnica che film deve raggiungere per inscenare un livello di comunicazione con il pubblico che nessun'altra forma d'arte può fare.
Cos'è il linguaggio cinematografico: i film che possono insegnarlo
Partiamo con Lawrence d'Arabia (1962): David Lean pè leggendario, probabilmente non c'è nessun altro regista che abbia trasmesso con tanta grazia la maestosità del mondo. Ha reso le immagini così accattivanti che sono nelle nostre menti impressie, in modo indelebile.
Lawrence d'Arabia è forse il suo più grande successo: più specificamente, la pellicola è un bel ritratto di un uomo che è più grande della vita e il mondo che lo circonda era il suo campo di gioco. T.E. Lawrence è stata una delle persone più enigmatiche che sia mai vissuta e la sua presenza è stravagante sul grande schermo.
Questo è il tipo di film costruito interamente con l'immaginazione e i sogni. Il tipo di sogno che immagina una persona lontana nell'orizzonte che diventa un uomo, il tipo di visione che vede un piccolo uomo perso in una terra desolata che conquista tutto ciò che gli sta di fronte e regna sovrano. In un mondo pieno di misteri, il film si focalizza sull'uomo che supera se stesso così tanto, da diventare più grande della vita.
Il gabinetto del dott. Caligari (1920): non c'è forse alcun movimento nel film che fosse più essenziale e importante dell'Espressionismo tedesco. In un periodo in cui i film americani erano, in gran parte, marchi delle commedie di Chaplin e Keaton, la Germania viveva in un mondo di depressione e isolamento.
Gran parte del sentimento che attraversava il paese, in quel momento, veniva trasmesso nel materiale oscuro e contorto dei loro film. Lo stile visivo del film è come qualcosa di incubo osceno, con ambientazioni e luoghi contorti e tenebrosi, avvolti in un terrore bizzarro e macabro.
I set erano caratterizzati da pennellate di grassetto vernice nera per creare ombre, punti frastagliati e curve tese fino al limite assoluto e angoli tutt'altro che giusti.
Toro scatenato (1980): Martin Scorsese mette insieme una grande storia di strada che cattura un'intera vita e tutti gli alti e bassi che ne derivano.
Ma ciò che contraddistingue i film è il potere incredibile della cinematografia grezza di Michael Chapman, il brillante montaggio di Thelma Schoonmaker e il sound design di Michael Evje e Gary S. Gerlich. Dove, la maggior parte dei film di boxe ha messo la macchina fotografica tra la folla e mostra l'azione da lontano; Scorsese e Chapman posizionano la telecamera all'interno dell'anello e ci portano in pieno vigore nell'intima brutalità del combattimento.
Montati insieme da Schoonmaker dove l'anello stesso è distorto al massimo, enfatizza la natura di ciò che sta accadendo e mescolato con una combinazione di diversi suoni animali per mostrare come Jake LaMotta è un animale umano. Quello che per noi era un semplice incontro di pugilato si trasforma in un'effusione catartica per LaMotta; un uomo ai minimi termini della sua vita che usa violenza fisica sul ring per combattere le insicurezze al di fuori di esso.
Linguaggio cinematografico, definizione attraverso i film
Il padrino (1972): è un film che può essere usato praticamente nello studio di qualsiasi categoria, per non parlare del linguaggio del cinema. Ha contribuito a inaugurare un nuovo stile di cinematografia. Prima di questa pellicola, i film erano troppo illuminati in modo che potessero essere visti nei drive-in, indipendentemente dal fatto che l'inquadratura sarebbe stata meglio con luci più scure, non importava, perché lo scopo era quello di vedere i film.
Il padrino utilizzava intenzionalmente ombre scure e luci più tenui, questo ha portato al fatto che il film avesse effettivamente due stampe diverse, quindi uno più leggero poteva essere usato per drive-in e quelli più scuri potevano essere usati per i teatri al coperto. Il direttore della fotografia, Gordon Willis, ha descritto la cinematografia come basata sul male.
Le scene d'apertura del film hanno un netto contrasto con le scene luminose all'aperto del matrimonio rispetto alle scene oscure al chiuso mentre Vito Corleone sta organizzando vendetta per conto di altri. Un'altra innovazione è stata l'uso di tungsteno per scene all'aperto rispetto a quelle girate negli interni. Willis ha voluto creare un filtro arancione dall'aspetto naturale per il film, molto prima dei giorni della correzione digitale del colore.
L'estetica de Il Padrino è basata - in gran parte - sui temi di princìpi, etica e morale. Il film ha un forte peso di tradizione e storia e la presentazione del film si aggiunge al suo senso sub-testuale di ambiguità morale.
Infine, citiamo Agente Lemmy Caution: missione Alphaville (1965): è una miscela perfetta di film noir e fantascienza, quasi 20 anni prima di Blade Runner. È, per prima cosa, una satira di scienza, tecnologia, fumetti, fantascienza e generi polizieschi al momento. Il tema principale dei film è la sensazione di "amore" e integrità artistica oltre la logica e il progresso.
Il film mostra la freddezza della scenografia, costruita - in gran parte - fuori dall'architettura della metà degli anni '60 a Parigi, con un grande edificio a blocchi sovrapposti e scale a chiocciola.
L'ingegnosità della fantascienza si basava sul fatto che ci avvertiva di dove stiamo andando. Quando si guarda all'estetica culturale di "Alphaville", è chiaro che questo avvertimento ai suoi spettatori era che questo non era il futuro perché vivevamo già in "Alphaville".
Fonte immagine in evidenza: https://twitter.com/SusgoriGori/status/676077428884815872